DyabloRosa
Hay un momento al final de cada mes que disfruto especialmente. Cuando baja el ritmo de las noticias, me gusta volver al calendario de lanzamientos y repasarlo con calma. Es una costumbre casi inevitable para cualquiera que lleve años siguiendo esta industria.
Empiezo anotando los juegos que todavía tengo pendientes, los que me gustaría analizar con más tiempo y aquellos que, siendo completamente sincera, acabarán esperando pacientemente en esa inmensa biblioteca digital que todos prometemos terminar algún día. Spoiler: nunca ocurre. Siempre aparece otro lanzamiento que se cruza por el camino y nuestro plan perfecto se va directamente al cajón de las buenas intenciones.
Con junio de 2026 me pasó algo diferente. Mientras revisaba los juegos que habían llegado durante las últimas semanas, dejé de pensar en ellos como lanzamientos independientes y empecé a fijarme en el dibujo que formaban todos juntos. Fue una sensación curiosa porque, por primera vez en mucho tiempo, el verdadero protagonista no era un videojuego concreto. Lo realmente interesante era la conversación que todos parecían mantener entre sí. Cada estudio estaba tomando decisiones distintas, pero todas apuntaban hacia una misma dirección. De repente entendí que no estaba repasando un calendario de estrenos. Estaba observando una fotografía bastante precisa del momento que vive la industria.
Si alguien me hubiera enseñado esta misma lista hace cinco años, probablemente habría pensado que pertenecía a empresas incapaces de compartir una misma visión del mercado. Square Enix llevaba Final Fantasy VII Rebirth a nuevas plataformas rompiendo una de las exclusividades más importantes de los últimos tiempos. Nintendo recuperaba Star Fox después de años de silencio para acompañar el crecimiento de Nintendo Switch 2. THQ Nordic apostaba por reconstruir uno de los RPG europeos más influyentes de principios de siglo con Gothic 1 Remake, mientras que The Adventures of Elliot: The Millennium Tales demostraba que todavía existía espacio para crear nuevas propiedades intelectuales dentro de una de las editoras más veteranas de Japón. Entre medias aparecían propuestas como Solarpunk, empeñadas en recordarnos que el futuro también puede imaginarse desde el optimismo y no únicamente desde el desastre.
Sobre el papel parecen videojuegos que no tienen absolutamente nada en común. Pertenecen a géneros distintos, están desarrollados por equipos con filosofías completamente diferentes y buscan públicos que, en muchos casos, apenas coinciden entre sí. Precisamente por eso resultan tan interesantes. Cuanto más analizaba sus anuncios, sus fechas de lanzamiento y el contexto en el que llegaban al mercado, más evidente se hacía que todos estaban respondiendo a una misma pregunta: ¿cómo será el videojuego de la próxima década? Lo mejor de todo es que ninguno intentaba responder de la misma manera, y esa diversidad dice mucho más sobre el estado actual del gaming que cualquier informe financiero.
Parte de la última generación parecía que el éxito tenía una receta prácticamente inamovible: había que construir mundos abiertos cada vez más grandes, ofrecer decenas de horas de contenido, justificar presupuestos que en muchos casos superaban los 100 millones de dólares y convertir cada lanzamiento en un espectáculo tecnológico capaz de vender consolas por sí solo. Era una evolución lógica. Cuando un desarrollo necesita cinco o seis años de trabajo y moviliza a cientos de profesionales repartidos por varios estudios, minimizar el riesgo se convierte casi en una obligación. Poco a poco, muchas superproducciones empezaron a compartir la misma estructura, hasta el punto de que en ocasiones resultaba más fácil distinguirlas por la licencia que por sus propias ideas.
Por eso creo que junio de 2026 tiene un valor especial. No porque haya sido el mes con más lanzamientos ni porque todos sus juegos vayan a convertirse en superventas, sino porque cada uno de ellos ha decidido recorrer un camino diferente. Después de bastante tiempo viendo cómo una parte de la industria parecía obsesionada con competir por el mapa más grande o el apartado gráfico más espectacular, resulta refrescante comprobar que vuelve a hablarse de identidad, de creatividad y de personalidad. La tecnología continúa avanzando a un ritmo impresionante, pero da la sensación de que los estudios empiezan a recordar que el verdadero motivo por el que un jugador enciende la consola nunca ha sido el número de polígonos que aparecen en pantalla.
El mejor ejemplo de ese cambio lo encontramos en Final Fantasy VII Rebirth. La conversación alrededor del juego suele centrarse en su calidad, en la ambición de su mundo o en el enorme trabajo realizado por Square Enix, pero la noticia más importante probablemente no esté dentro del propio videojuego. Su llegada a nuevas plataformas confirma un movimiento estratégico que llevaba tiempo gestándose y que refleja mejor que ninguna otra decisión cómo está cambiando el negocio. Hace apenas dos generaciones, conseguir que una entrega principal de Final Fantasy permaneciera ligada a una única consola era una victoria comercial enorme. Hoy los costes de producción son tan elevados que limitar una franquicia de este calibre a un único ecosistema empieza a ser una decisión difícil de justificar desde el punto de vista empresarial.
La evolución resulta especialmente llamativa cuando uno mira hacia atrás. El Final Fantasy VII original llegó a PlayStation en 1997 distribuido en tres discos, una cifra que entonces parecía casi imposible de asumir para un videojuego. Con el paso del tiempo ha superado los 15 millones de copias vendidas entre su edición clásica y sus posteriores reediciones, convirtiéndose en una de las obras más influyentes de la historia del medio. Para millones de jugadores occidentales fue la puerta de entrada a los JRPG, ayudó a consolidar el éxito de la primera PlayStation y demostró que el videojuego japonés podía conquistar el mercado internacional. Casi treinta años después, la saga vuelve a convertirse en protagonista de otro momento decisivo, aunque esta vez el cambio no tiene que ver con la tecnología, sino con la forma en la que las grandes editoras entienden el mercado.
Mientras Square Enix parece decidida a derribar algunas de las fronteras que marcaron generaciones anteriores, hay una compañía que continúa avanzando por un camino completamente distinto. Lo fascinante es que esa estrategia también sigue funcionando.
Porque, cuando hablamos de Nintendo, hace mucho tiempo que quedó claro que juega una partida diferente... Porque, si existe una compañía que lleva décadas demostrando que no necesita seguir las reglas del mercado para mantenerse en lo más alto, esa es Nintendo. Su historia comenzó en 1889, mucho antes de que existieran las consolas, cuando Fusajiro Yamauchi fundó una pequeña empresa dedicada a fabricar cartas Hanafuda en Kioto. Han pasado 137 años desde entonces y resulta casi imposible encontrar otra compañía tecnológica que haya sabido reinventarse tantas veces sin perder su identidad por el camino.
Quizá por eso el regreso de Star Fox me parece mucho más interesante de lo que podría parecer a simple vista. No hablo únicamente de recuperar una franquicia que llevaba demasiado tiempo en silencio. Hablo de una manera completamente distinta de entender el desarrollo de videojuegos. Mientras muchas compañías sienten la necesidad de publicar una nueva entrega cada pocos años para mantener viva una marca, Nintendo ha demostrado una paciencia casi imposible de encontrar en el mercado actual. Prefiere dejar que el jugador eche de menos una saga antes que desgastarla con lanzamientos constantes. Es una estrategia arriesgada, pero los resultados llevan décadas dándole la razón.
Hay algo casi mágico en esa forma de trabajar. Todos conocemos a alguien que lleva años preguntando cuándo volverá Star Fox, F-Zero, Kid Icarus o incluso Wave Race. Sin embargo, cuando Nintendo decide recuperar una de esas licencias, la conversación cambia inmediatamente. Lo que podría haber sido un lanzamiento más termina convirtiéndose en un acontecimiento. La compañía japonesa ha conseguido transformar la espera en parte de la experiencia, algo que muy pocas editoras pueden decir con semejante naturalidad.
Aquí va uno de esos datos que me encanta rescatar: Cuando Star Fox 64 llegó a las tiendas en 1997, no solo se convirtió en uno de los grandes títulos de Nintendo 64. También fue el juego encargado de popularizar el Rumble Pak, el accesorio que introducía la vibración en el mando. Hoy damos por sentado que un mando responde cuando aceleramos un coche, tensamos un arco o recibimos un impacto, pero hubo un momento en el que aquello era una auténtica revolución tecnológica. Es uno de esos pequeños detalles que recuerdan hasta qué punto Nintendo ha influido en nuestra forma de jugar sin que muchas veces seamos realmente conscientes de ello.
Y sí... antes de que alguien lo escriba en los comentarios, lo digo yo primero.
Nintendo, seguimos esperando F-Zero.
Porque si existe un cajón lleno de franquicias legendarias, probablemente esté en alguna oficina de Kioto.
Lo interesante es que, mientras Nintendo sigue apoyándose en un legado construido durante más de cuatro décadas de videojuegos, otras compañías han decidido asumir un riesgo completamente distinto. En una industria donde los presupuestos se disparan y cada error puede costar cientos de millones de euros, apostar por una propiedad intelectual completamente nueva se ha convertido casi en un acto de valentía. Precisamente por eso The Adventures of Elliot: The Millennium Tales me parece uno de los anuncios más importantes de junio, incluso aunque termine vendiendo menos que otras producciones mucho más mediáticas.
No sabemos si Elliot acabará convirtiéndose en la próxima gran saga de Square Enix.
Y, sinceramente, tampoco creo que esa sea la cuestión más importante.
Lo verdaderamente relevante es que exista. Cada vez que una gran editora decide invertir varios años de trabajo y equipos formados por cientos de profesionales en una idea completamente original, está enviando un mensaje muy claro a toda la industria: todavía merece la pena crear mundos nuevos. En un mercado donde las secuelas, los remakes y las franquicias consolidadas ocupan buena parte del calendario, ver nacer una nueva IP sigue siendo una de las mejores noticias posibles para quienes disfrutamos descubriendo universos desconocidos.
Además, The Adventures of Elliot llega acompañado de uno de los estilos visuales más reconocibles que ha dado el videojuego japonés en los últimos años. El llamado HD-2D, popularizado por Octopath Traveler en 2018, nació casi como un experimento artístico. La idea consistía en combinar personajes construidos mediante pixel art clásico con escenarios tridimensionales, efectos de iluminación modernos y una profundidad de campo que recordaba a las maquetas tradicionales. El resultado fue tan diferente que terminó convirtiéndose en una identidad propia para Square Enix y en una de las estéticas más imitadas de los últimos años.
Lo curioso es que el HD-2D demuestra algo que también se repite constantemente a lo largo de este artículo. La innovación no siempre consiste en crear una tecnología nueva. A veces basta con mirar hacia atrás desde otro punto de vista. Mientras buena parte de la industria perseguía un realismo cada vez más espectacular, Square Enix encontró una forma completamente distinta de emocionar al jugador utilizando herramientas que parecían pertenecer al pasado. Es una lección fantástica sobre creatividad y una prueba de que las limitaciones, cuando se entienden bien, pueden convertirse en una ventaja.
Y esa idea nos lleva de forma casi inevitable al siguiente protagonista de este mes.
Porque, si existe un videojuego capaz de demostrar que mirar al pasado no significa quedarse atrapado en él, ese es Gothic 1 Remake.
Durante mucho tiempo la palabra remake provocó cierto recelo entre los jugadores. Era fácil asociarla con una actualización gráfica rápida, unas cuantas texturas nuevas y poco más. Sin embargo, proyectos como el desarrollado por Alkimia Interactive están cambiando por completo esa percepción. Ya no se trata de vender el mismo juego dos veces. Se trata de responder a una pregunta mucho más interesante: ¿cómo habría sido Gothic si sus creadores hubieran contado con la tecnología, la experiencia y el conocimiento que existen en 2026? La pregunta, en realidad, va mucho más allá de Gothic. Cuando un estudio decide reconstruir una obra que marcó a toda una generación, no está intentando convencer al jugador de que el original era imperfecto. Lo que intenta responder es una cuestión mucho más ambiciosa: ¿qué habrían creado aquellos desarrolladores si hubieran contado con las herramientas actuales? Esa diferencia parece pequeña, pero cambia completamente la forma de entender un remake.
El Gothic de 2001 fue un videojuego adelantado a su tiempo. Desarrollado por Piranha Bytes, un estudio alemán formado entonces por apenas una docena de personas, consiguió hacerse un hueco entre gigantes como The Elder Scrolls III: Morrowind gracias a un diseño sorprendentemente libre para la época. No era un juego perfecto, ni mucho menos, pero transmitía una sensación de mundo vivo que pocos RPG podían ofrecer a comienzos de siglo. Precisamente por eso sigue siendo recordado con tanto cariño por miles de jugadores europeos. No porque fuera el más bonito o el más grande, sino porque tenía personalidad.
Y quizá esa sea una de las palabras que mejor resume todo este artículo.
Personalidad.
El mercado recompensaba únicamente el tamaño. Cuanto más grande era el mapa, mejor. Cuantas más actividades secundarias incluía un juego, mayor era la sensación de valor. La conversación giraba constantemente alrededor de cifras: kilómetros cuadrados, horas de duración, resolución, fotogramas por segundo o presupuesto. Sin darnos cuenta, empezamos a medir los videojuegos utilizando criterios que, en muchas ocasiones, tenían poco que ver con lo realmente importante.
Porque nadie recuerda un videojuego por la cantidad de iconos que aparecían en el mapa. Lo recordamos porque conseguía hacernos sentir algo. Y ahí es donde creo que junio de 2026 resulta tan interesante. Ninguno de los lanzamientos más importantes de este mes intenta ganar la misma competición. Final Fantasy VII Rebirth habla de la evolución del modelo de negocio. Star Fox recuerda el valor de cuidar una franquicia histórica. The Adventures of Elliot reivindica la importancia de seguir creando nuevos universos. Gothic 1 Remake demuestra que mirar al pasado también puede ser una forma de innovar. Y entonces aparece un juego que cambia por completo el tono de la conversación: Solarpunk.
Reconozco que fue uno de esos proyectos que, al principio, pasaron bastante desapercibidos para mí. Vi las primeras imágenes y pensé que estaba delante de otro simulador de construcción con un apartado artístico especialmente cuidado. Bastaron unos minutos para darme cuenta de que escondía algo mucho más interesante. Mientras buena parte del videojuego moderno lleva años imaginando el futuro desde el conflicto, Solarpunk hace exactamente lo contrario. En lugar de preguntarnos cómo sobreviviremos al fin del mundo, nos invita a pensar cómo sería un mundo que hubiera aprendido de sus errores.
Puede parecer una diferencia pequeña.
No lo es.
Durante los últimos quince años nos hemos acostumbrado a recorrer ciudades destruidas, escapar de pandemias, luchar contra invasiones alienígenas o sobrevivir a guerras que han reducido la civilización a cenizas. Son escenarios apasionantes desde el punto de vista narrativo, pero también reflejan una visión muy concreta del futuro. Solarpunk rompe esa dinámica y propone algo que, curiosamente, resulta mucho más revolucionario: construir en lugar de destruir.
El jugador cultiva sus propios recursos, desarrolla comunidades sostenibles, aprovecha energías renovables y aprende a convivir con el entorno en lugar de explotarlo. Más que un videojuego, parece una declaración de intenciones sobre cómo imaginamos el mañana. Y eso me parece fascinante, porque demuestra que el gaming también evoluciona junto con las inquietudes de la sociedad que lo crea.
Una curiosidad que probablemente no conocías: El término Solarpunk nació mucho antes de que existiera este videojuego. Surgió dentro de movimientos artísticos y literarios que defendían una idea muy sencilla: imaginar un futuro optimista donde la tecnología y la naturaleza no fueran enemigos, sino aliados. Con el paso de los años esa corriente terminó llegando al cine, la ilustración, la arquitectura… y ahora también al videojuego. Es una prueba de que este medio no vive aislado del resto de la cultura, sino que evoluciona al mismo ritmo que ella.
Cuanto más pensaba en todos estos lanzamientos, más claro veía que ninguno competía realmente con el resto. Resulta curioso, porque hace apenas unos años probablemente habríamos comparado sus gráficos, su duración o su presupuesto. Hoy la conversación parece haber cambiado. Lo que hace diferente a cada uno de ellos no es la cantidad de contenido que ofrece, sino la idea que intenta transmitir. Esa diferencia puede parecer sutil, pero creo que marca el comienzo de una etapa muy distinta para el videojuego.
Y eso me llevó a hacerme otra pregunta.
Quizá la más importante de todas.
¿Y si llevábamos demasiado tiempo fijándonos en las cifras y muy poco en las ideas?
Mientras escribía este artículo volví a mirar la lista de lanzamientos de junio por última vez. Quería comprobar si me había dejado algún dato, alguna fecha o alguna curiosidad interesante. Sin darme cuenta, terminé haciendo algo muy distinto. Dejé de mirar los videojuegos como productos individuales y empecé a observarlos como si fueran pequeñas piezas de un mismo puzle. Fue entonces cuando entendí que la verdadera noticia nunca había sido la cantidad de juegos publicados, sino el mensaje que todos ellos estaban transmitiendo al mismo tiempo.
Porque Final Fantasy VII Rebirth, Star Fox, The Adventures of Elliot, Gothic 1 Remake y Solarpunk parecen hablar de cosas completamente distintas. Uno representa el cambio en la estrategia comercial de las grandes editoras. Otro demuestra que una franquicia histórica puede seguir despertando ilusión décadas después de su nacimiento. Otro reivindica el valor de crear nuevos universos cuando el camino fácil sería vivir de los ya conocidos. Incluso hay espacio para un remake que entiende el pasado como una oportunidad para reinterpretar una obra clásica y para un juego que decide imaginar un futuro optimista en una industria acostumbrada a mostrarnos mundos destruidos.
Sin embargo, cuanto más pensaba en ellos, más evidente resultaba que todos compartían exactamente la misma idea. Ninguno intenta parecerse al otro. Ninguno busca convertirse en la copia del éxito de moda. Todos defienden una personalidad propia y entienden que destacar ya no consiste únicamente en ofrecer más contenido, sino en ofrecer una identidad reconocible. Puede parecer un matiz sin importancia, pero creo que ahí está una de las mayores transformaciones que está viviendo el videojuego moderno.
Asociamos la evolución del gaming con la potencia del hardware. Cada nueva generación de consolas llegaba acompañada de gráficos más realistas, mundos más grandes y tecnologías capaces de hacer cosas que unos años antes parecían imposibles. Esa evolución sigue existiendo y continuará marcando el futuro del medio. La llegada de motores como Unreal Engine 5, el avance del ray tracing, la inteligencia artificial aplicada al desarrollo o la capacidad de los nuevos procesadores seguirán ampliando los límites de lo que un videojuego puede hacer. Pero, curiosamente, cuanto más avanza la tecnología, más importante empieza a ser aquello que no depende de ella: Las ideas.
Quizá ese sea el mayor aprendizaje que me deja junio. Cuando la tecnología alcanza un nivel tan alto que prácticamente todos los grandes estudios pueden construir mundos espectaculares, la diferencia deja de estar en los gráficos y empieza a encontrarse en la creatividad. Ya no basta con desarrollar el mapa más grande o el sistema de iluminación más avanzado. El verdadero reto consiste en crear un videojuego que tenga algo que decir y una identidad que el jugador sea capaz de reconocer incluso antes de coger el mando.
Es una situación que me recuerda mucho a lo que ocurrió hace años con el cine. Hubo una época en la que los efectos especiales eran el principal reclamo de cualquier superproducción. Con el paso del tiempo dejaron de sorprender porque todos podían utilizarlos. Lo que terminó diferenciando unas películas de otras volvió a ser exactamente lo mismo que las había hecho especiales desde el principio: una buena historia, unos personajes memorables y una dirección con personalidad. Creo que el videojuego está empezando a vivir un proceso muy parecido. Y eso, sinceramente, me parece una noticia fantástica.
En las últimas semanas hemos hablado mucho de despidos, cierres de estudios, cancelaciones de proyectos, presupuestos desorbitados y una industria que parecía atravesar una etapa especialmente complicada. Todo eso sigue formando parte de la realidad y sería absurdo ignorarlo. Pero también existe otra cara de la moneda. La creatividad continúa avanzando, los estudios siguen buscando formas diferentes de sorprender al jugador y cada vez aparecen más proyectos dispuestos a romper con la sensación de que todos los videojuegos persiguen la misma fórmula.
Quizá por eso terminé junio con una sensación que hacía tiempo que no experimentaba. No estaba especialmente impresionada por el número de lanzamientos ni por la potencia técnica de ninguno de ellos. Lo que realmente me ilusionaba era comprobar que cada estudio parecía haber recuperado la confianza para defender su propia identidad. Y, después de varios años en los que buena parte del mercado parecía mirar constantemente hacia las mismas tendencias, esa diversidad vuelve a convertirse en uno de los mayores valores del medio.
Al final, los jugadores no conservamos en la memoria un videojuego porque fuera el que más teraflops movía, ni porque tuviera el mapa más grande o la resolución más alta. Recordamos aquellos títulos que consiguieron sorprendernos cuando creíamos haberlo visto todo. Los que nos hicieron reír con un personaje inesperado, emocionarnos con una historia o perder la noción del tiempo explorando un mundo que parecía tener vida propia. Son esos recuerdos los que terminan acompañándonos durante años, mucho después de que la consola haya quedado obsoleta y de que una tecnología más avanzada ocupe su lugar.
Por eso creo que junio de 2026 será recordado como algo más que un buen mes de lanzamientos. Tal vez dentro de unos años no se cite por el número de juegos publicados ni por haber batido récords de ventas. Quizá lo recordemos porque fue uno de esos momentos en los que la industria dejó de preguntarse cómo hacer videojuegos más grandes y volvió a hacerse una cuestión mucho más interesante.
¿Cómo hacemos videojuegos que merezca la pena recordar?
Y, si esa vuelve a ser la pregunta que guía a los grandes estudios, tengo la sensación de que el futuro del gaming no solo va a ser más espectacular, va a ser mucho más apasionante.
